5 1/2 Esempi di notazione musicale sperimentale

Negli anni ’50, i compositori progressisti si separarono dallo staff musicale di 5 linee per sperimentare nuove forme più espressive di notazione musicale.

Con lo sviluppo della notazione musicale , la musica è stata liberata dai legami delicati delle tradizioni orali e auditive. Una struttura standardizzata e sottesa significava che tutto, dal canto gregoriano a “Johnny B Goode”, poteva essere preservato e proliferato con relativa facilità. Tuttavia, a partire dagli anni successivi alla seconda guerra mondiale, alcuni più progressisti musicisti e compositori iniziarono a pensare che lo staff musicale potesse essere più restrittivo che liberatorio e iniziò a sperimentare nuove forme più espressive di notazione musicale.

Il compositore americano John Cage ha esplorato la possibilità d’uso e l’indeterminatezza nelle sue composizioni musicali allo scopo di cancellare la sua soggettività dalla sua musica, la mano degli artisti, per così dire. Per comunicare le sue “composizioni” indeterminate, per usare liberamente il termine, Cage sviluppò metodi elaborati di notazione grafica che coinvolgono una serie di trasparenze. Ha usato questo metodo per la prima volta nel 1958 per “Variations I”che consisteva in sei quadrati trasparenti, uno con 27 punti che rappresentano il suono e cinque con cinque linee, che rappresentano qualsiasi valore musicale assegnato. La composizione è stata ricavata posizionando i quadrati uno sopra l’altro in qualsiasi combinazione. Cage avrebbe continuato a sviluppare ed espandere questo metodo per tutti gli anni ’50 e ’60, come mostrato nell’immagine in alto raffigurante la partitura un po ‘più elaborata per “Fontana Mix”. La notazione di Cage consiste in quattro cassette multi-canale, dieci trasparenze inscritte con piccoli punti, una trasparenza con una linea retta e dieci fogli di carta su cui sono state disegnate linee ondulate colorate e un “bastone” simile a una carta millimetrata. utilizzato per ricavare le coordinate che sono state poi utilizzate per determinare quale nastro è stato utilizzato, così come i valori del suono dal nastro: lunghezza (in pollici), volume, timbro e così via. Secondo la All Music Guide to Classical Music , Cage ha descritto la colonna sonora come “una fotocamera da cui chiunque può fare una fotografia”. 

Pendulum Music – notazione musicale

Il punteggio di Steve Reich per “Pendulum Music” è un insieme di istruzioni semplici e scritte che descrivono il modo in cui il brano viene messo in scena ed eseguito. La registrazione sopra è stata fatta da Sonic Youth per il loro album del 1999 SYR4: Goodbye 20th Century.
Nel 1978 il musicista Brian Eno ha creato l’album notazione musicale seminale Ambient 1: Music for Airports . Eno ha coniato il termine “ambient” per descrivere questo paesaggio sonoro atmosferico e distinguerlo dalla “musica degli ascensori” in scatola introdotta da Muzak. Così facendo, ha creato non solo un album, ma un intero genere musicale. Eno è stato ispirato da compositori come Cage e Reich, ma non ha avuto un allenamento di musica formale. Quando è stato chiesto da un’intervista perché non ha mai imparato a leggere la musica, Eno, che ha preferito comporre direttamente su nastro.

Invece della notazione tradizionale, Eno ha creato la grafica vista sopra, che sembra più interessata a comunicare un’impressione visiva della musica e non è realmente intesa a essere usata come guida per suonare effettivamente la musica.

“Polymorphia” di Krzysztof Penderecki è stato commissionato dalla radio tedesca della Germania settentrionale nel 1961. Come suggerisce il nome, il pezzo assume effettivamente varie forme e cambia drammaticamente da sezione a sezione. Con “Polymorphia”, Penderecki era alla ricerca di nuove possibilità sonore e, se queste possibilità notazione musicale includono “terrificante musica house infestata”, l’ha assolutamente inchiodato. La composizione è intesa per 48 strumenti a corda ed enfatizza il timbro piuttosto che l’intonazione, e la collisione di corpi generatori di suoni in metallo, legno o pelle – che studioso di musica Danuta Mirka si riferisce a “materiali primari” del compositore. La notazione è stata ispirata, in parte, da elettroencefalogramma – misurazioni visive dell’attività cerebrale. Evita le misure tradizionali a favore di un punteggio suddiviso in sezioni di lunghezza variabile e, in alcune sezioni, ulteriori divisioni verticali per segnare ogni secondo, con uno “spazio totale del pitch” che descrive l’altezza relativa di ciascuno strumento.

Continue Reading